با نقاشی های معروف دنیا آشنا شوید - وبلاگ انجمن ما

به گزارش وبلاگ انجمن ما، نقاشی و هنرهای ترسیمی یکی از هنرهای هفت گانه در جهان است و امروزه آثار نقاشان مشهور در موزه ها و گالری های سراسر جهان به نمایش گذاشته شده اند.

نقاشی هزاران سال است که در میان انسان ها رواج دارد و در طول تاریخ، نقاشی های معروف بسیاری خلق شده اند. مشهورترین نقاشی های جهان، حاصل نبوغ، خلاقیت و استعداد ذاتی خالقان این آثار هستند؛ اما نکته ای که باعث به معروفیت رسیدن این نقاشی ها شده ، داستان هایی است که این آثار برای ما روایت می نمایند.

جای تردیدی نیست که با بعضی از این آثار مانند شام آخر، مونالیزا یا آفرینش آدم آشنا هستید؛ نقاشی هایی که هر سال به ارزش میلیاردها دلار در مزایده ها به فروش می رسند یا در موزه های سراسر جهان به نمایش گذاشته می شوند. در ادامه با ما همراه باشید تا شما را به سفری به کشورهای مختلف ببریم و با معروف ترین نقاشی های جهان و داستان های نهفته در آن ها آشنا کنیم.

نقاشی های معروف جهان:

• مونالیزا؛ اثر لئوناردو داوینچی
• جیغ؛ اثر ادوارد مونک
• شام آخر؛ اثر لئوناردو داوینچی
• دختری با گوشواره مروارید؛ اثر یوانس ورمیر
• زایش ونوس؛ اثر ساندرو بوتیچلی
• گل های آفتابگردان؛ اثر ونسان ون گوگ
• بوسه؛ اثر گوستاو کلیمت
• امپرسیون طلوع آفتاب؛ اثر کلود مونه
• آفرینش آدم؛ اثر میکل آنژ
• گرنیکا؛ اثر پابلو پیکاسو
• شب پرستاره؛ اثر ونسان ون گوک
• گشت شبانه؛ اثر رامبراند
• ندیمه ها؛ اثر دیه گو ولاسکوز
• پایکوبی در مولن دولا گالت؛ اثر پیر اوت رنوار
• دوشیزگان آوینیون؛ اثر پابلو پیکاسو
• تداوم حافظه؛ اثر سالوادور دالی
• تراس کافه در شب؛ اثر ونسان ون گوک
• گوتیک آمریکایی؛ اثر گرنت وود
• گیتارنواز پیر؛ اثر پابلو پیکاسو
• مکتب آتن؛ اثر رافائل

1. مونالیزا؛ اثر لئوناردو داوینچی

مونالیزا (Mona Lisa) مشهورترین نقاشی جهان به وسیله داوینچی در سال 1503 روی چوب درخت صنوبر یا همان سپیدار خلق شد. داوینچی در این اثر یکی از واقع بینانه ترین و گیراترین لبخندهای نقاشی شده را به تصویر درآورده است. گفته می گردد این نقاشی تصویری است که داوینچی به سفارش فرانچسکو دل جیوکوندو (Francesco del Giocondo)، تاجر ثروتمند ابریشم فلورانسی، از لیزا گراردینی، همسر وی، ترسیم نموده که یک پرتره با ارتفاع نیمه است؛ البته کارشناسان هنوز کاملا از این موضوع مطمئن نیستند و هویت مونالیزا نامعین است. نام دیگر این نقاشی، لبخند ژکوند نیز از فامیلی این تاجر فلورانسی نشات گرفته است. بعضی افراد مانند فروید حدس می زنند که مونالیزا مادر داوینچی است؛ در حالی که بعضی آن را پرتره خود داوینچی می دانند.

داوینچی کشیدن مونالیزا را در ایتالیا شروع کرد؛ اما آن را در فرانسه به انتها رساند. فرانسوای اول، این اثر را در کاخ فونتن بلو (Palace of Fontainebleau) به نمایش گذاشت و این اثر به مدت یک قرن، همان جا ماند. لویی چهاردهم مونالیزا را به کاخ ورسای برد و در قرن نوزدهم این اثر در اتاق خواب ناپلئون آویزان شد.

مونالیزا در سال 1804 در موزه لوور نصب شد. به گفته تاریخ دانان، مونالیزا پیش از قرن بیستم در خارج از حیطه محافل هنری شناخته شده نبود؛ اما در سال 1911، یک کارمند سابق موزه لوور، این نقاشی را به سرقت برد و به مدت دو سال آن را مخفی کرد. او به عنوان یک وطن پرست ایتالیایی معتقد بود که مونالیزا باید به ایتالیا برگردانده گردد. این سرقت باعث معروفیت این نقاشی در میان مردم شد. البته باید بدانید که نقاشی لبخند مونالیزا در نهایت به موزه لوور بازگردانده شد و در حال حاضر رکورددار گران ترین ارزیابی بیمه با قیمت 100 میلیون دلار است. طبق قانون میراث فرهنگی فرانسه، امکان خریدوفروش این اثر وجود ندارد و این نقاشی متعلق به مردم است.

• تکنیک اثر: رنگ روغن روی تخته چوب صنوبر
• سبک اثر: رنسانس
• ابعاد اثر: 53 × 77 سانتی متر
• آدرس محل نگهداری اثر: فرانسه، پاریس، موزه لوور (مشاهده روی نقشه)

2. جیغ؛ اثر ادوارد مونک

جیغ (The Scream)، اثر ادوارد مونک، نقاش مشهور نروژی است به عنوان نمادی از اضطراب، ترس، رنج و هیجان در جهان شناخته می گردد. جیغ یک اثر هنری واحد نیست و مونک چهار نسخه از این نقاشی را ایجاد نموده است. گفته می گردد که ایده این نقاشی زمانی به فکر مونک رسید که در حال پیاده روی عصرگاهی با دوستانش بود و غروب آفتاب و نور قرمز خیره نماینده ای را دید. خود مونک دراین باره می نویسد:

آسمان سرخ شد. به رنگ خون. من متوقف شدم. احساس خستگی کردم و به حصار تکیه دادم. در بالای سر مردم شهر خون بود و هوای گرم، زبانه های آتشین بود. دوستانم راه را ادامه دادند و من در آنجا لرزیدم و از اضطراب ایستادم و احساس کردم یک جیغ بی کران از طبیعت عبور می نماید.

جیغ در سال 1893 به تصویر کشیده شد. در سال های 1994 و 2004، دو نقاشی جیغ به سرقت رفتند و به این ترتیب توجه عموم مردم به این دو اثر هنری جلب شد. هر دو نقاشی در نهایت پیدا شدند. در سال 2012 نیز یکی از نقاشی های پاستلی در یک مزایده به قیمت 120 میلیون دلار فروخته شد.

جالب است بدانید که چهره آندروژنی که در جلوی این نقاشی دیده می گردد، در واقع منشا جیغ در نقاشی نیست؛ بلکه سعی دارد جلوی جیغ دلخراشی را بگیرد که از طبیعت به گوش می رسد. این نقاشی جزو آثار انگشت شماری است که ایموجی آن طراحی شده است.

آخرین مطلب نوشته شده درباره نقاشی جیغ در فوریه 2021، کشف نویسنده کلماتی است که در گوشه چپ بالای این اثر نوشته شده اند و با چشم معمولی دیده می شوند. خواندن این نوشته سال های سال به طول انجامید و در نهایت معلوم شد که جمله مذکور به این توضیح است:

تنها یک دیوانه می توانست این نقاشی را بکشد!

محققان مدت ها زمان صرف کردند تا بفهمند که چه کسی این کلمات را نوشته است. یک منتقد دانمارکی در سال 1904 متوجه این نوشته شد و تصور می کرد که این کلمات تنها اقدامی خرابکارانه از سوی یکی از بازتماشامایندگان هستند. در نهایت با اسکن و تحقیقات در این زمینه معین شد که خود مونک این جمله کوچک را پس از اتمام کار با مداد نوشته است.

• تکنیک اثر: رنگ روغن، پاستیل و چسب رنگ
• سبک اثر: اکسپرسیونیسم
• ابعاد اثر: 73.5 × 91 سانتی متر
• آدرس محل نگهداری اثر: نروژ، اسلو، موزه ملی و موزه مونک (مشاهده روی نقشه)، (مشاهده روی نقشه)

3. شام آخر؛ اثر لئوناردو داوینچی

شام آخر (The Last Supper)، دیوارنگاره ای مستطیل شکل در سالن غذاخوری صومعه سانتا ماریا دل گریزیا در شهر میلان است که صحنه آخرین شام مسیح و 12 حواریون، قبل از به صلیب کشیده شدن را به تصویر می کشد. داوینچی برای کشیدن این اثر از روش های نوین نقاشی دیواری استفاده نکرد و به جای آن، رنگ روغن را به کار گرفت. خشک شدن رنگ روغن زمان زیادی می برد و به همین علت، داوینچی زمان زیادی را صرف به تصویر کشیدن این نقاشی کرد. داوینچی مجبور شد در ابتدا دیوار را با یک لایه دوتایی ژسو و ماستیک مهر و موم کند تا بتواند نقاشی خود را روی آن به تصویر بکشد.

شام آخر بارها بازسازی شده است؛ زیرا متاسفانه عوامل زیست محیطی این نقاشی را تخریب نموده اند و شاید امروز چیز زیادی از رنگ های استفاده شده به وسیله داوینچی باقی نمانده باشد. این اثر در دوره ای خلق شد که تصاویر مذهبی، موضوع اصلی آثار هنری را تشکیل می دادند. شام آخر دو بار در معرض خطرات جنگ نهاده شد. اولین بار در زمانی بود که لشگر ناپلئون از دیواری که این نقاشی روی آن قرار داشت، به عنوان هدف تمرینی استفاده کردند. این اثر در زمان جنگ جهانی دوم نیز پس از بمباران سقف صومعه، برای چند سال در هوای آزاد قرار داشت.

• تکنیک اثر: فرسکو
• سبک اثر: رنسانس والا
• ابعاد اثر: 880 × 700 سانتی متر
• آدرس محل نگهداری اثر: ایتالیا، میلان، صومعه سانتا ماریا دل گریزیا (مشاهده روی نقشه)

4. دختری با گوشواره مروارید؛ اثر یوانس ورمیر

دختری با گوشواره مروارید (Girl With a Pearl Earring)، اثر ورمیر، نقاش برجسته هلندی است. این نقاشی در سال 1665 خلق شده است و اغلب آن را با مونالیزا مقایسه می نمایند؛ البته باید بدانید که این دو اثر با هم متفاوت هستند و دختری با گوشواره مروارید یک پرتره نیست؛ بلکه یک ترونی (tronie) است. این سبک از کشورهای فقیر در زمان ورمیر نشات می گیرد و به جای توجه به افراد، اغلب کاراکترها یا مدل هایی خیالی را به تصویر می کشد که پوشش های خیالی با ژست هایی اغراق آمیز دارند.

زمینه سیاه نقاشی دختری با گوشواره مروارید دارای یک لایه رنگ سبز عمیق است که با استفاده از یک لعاب سبز زیرلایه زمینه سیاه آن به وجود می آید. لعاب سبز مدت ها است که رنگ باخته؛ البته دختر به تصویر کشیده شده در این اثر کماکان زیبایی خود را حفظ نموده است. جالب است بدانید که یک فیزیک دان هلندی در سال 2014 عنوان نمود که با توجه به بازتاب آینه ای، گلابی شکل بودن و درشتی این گوشواره، به نظر می رسد جنس آن از مروارید نیست و یک گوشواره از جنس قلع به نظر می رسد که جلا داده شده است.

• تکنیک اثر: رنگ روغن روی بوم
• سبک اثر: عصر طلایی نقاشی هلند
• ابعاد اثر: 39 × 44.5 سانتی متر
• آدرس محل نگهداری اثر: هلند، لاهه، موزه Mauritshuis (مشاهده روی نقشه)

5. زایش ونوس؛ اثر ساندرو بوتیچلی

زایش ونوس (The Birth of Venus) به وسیله ساندرو بوتیچلی، نقاش ایتالیایی دوره رنسانس در اواسط دهه 1480 خلق شد. این اثر که حضور ونوس در خشکی را به تصویر می کشد، یکی از آثار هنری کلاسیک است که در آن تصویری اسطوره ای و ترکیبی تازه از سبک رنسانس و فرهنگ کلاسیک یونانی را می بینید. ونوس، الهه عشق، در این اثر پس از مدت ها حضور و رشد در اعماق دریاها، در ساحل و از یک صدف بزرگ تولد دوباره ای را تجربه می نماید.

بوتیچلی، زایش ونوس را به سفارش خانواده مدیچی، یکی از قدرتمندترین سلسله های بانکی آن موقع در فلورانس ترسیم کرد. این خانواده به عنوان حامی هنر، سهم گسترده ای در سفارش و حمایت از هنرمندان برای چند نسل داشتند. این نقاشی یک تفاوت قابل توجه با آثار دیگر بوتیچلی دارد؛ او برخلاف همواره زایش ونوس را روی بوم نقاشی کرد؛ در حالی که آثار دیگر او روی چوب هستند.

• تکنیک اثر: تمپرا روی بوم
• سبک اثر: رنسانس
• ابعاد اثر: 278 × 172 سانتی متر
• آدرس محل نگهداری اثر: ایتالیا، فلورانس، گالری اوفیتزی (مشاهده روی نقشه)

6. گل های آفتابگردان؛ اثر ونسان ون گوک

گل های آفتابگردان (Sunflowers) نام مجموعه ای از 12 نقاشی از گل های آفتابگردان است که به وسیله ون گوگ در سال های 1886 تا 1889 در پاریس و آرل خلق شده اند. اولین تصویر از این مجموعه که در پاریس نقاشی شده، دارای گل آفتابگردانی است که در یک گلدان نهاده شده است و بعضی از گل ها روی سطح یا رومیزی صاف قرار دارند؛ اما در نقاشی های بعدی که در آرل کشیده شده اند، گل های آفتابگردان به صورت مرتب و ایستاده در گلدان ها نهاده شده اند.

گفته می گردد که ون گوگ خود را با گل آفتابگردان همسان سازی می کرد؛ پس می توان گفت که وی در زمان کشیدن گل های آفتابگردان، به شکلی نمادین در حال خلق سلف پرتره یا خودنگاره بوده است و حالات روحی ون گوگ را می توان در این مجموعه دید.

رنگ روغن زردی که در کارهای بعدی ون گوگ استفاده می گردد، به تازگی در دسترس نقاشان نهاده شده بود و وی از این سایه های زنده و زرد در کارهای خود استقبال کرد. جالب است بدانید که گل آفتابگردان در ادبیات هلندی، نمادی از فداکاری، وفاداری و تعهد به دوستی است. این گل در مراحل مختلف غنچه کردن تا پژمرده شدن، چرخه زندگی از تولد تا مرگ را به مخاطب یادآوری می نماید. هر یک از نقاشی های این مجموعه در یک موزه قرار دارند. به طور مثال سه نقاشی با 15 گل آفتابگردان در موزه هنر توکیو، گالری ملی لندن و موزه ون گوگ در آمستردام هستند؛ در حالی که گلدان های با 12 گل آفتابگردان در مونیخ آلمان و فیلادلفیا آمریکا قرار دارند.

• تکنیک اثر: رنگ روغن روی بوم
• سبک اثر: پست امپرسیونیسم، هنر مدرن
• ابعاد اثر: 73 × 92.1 سانتی متر

7. بوسه؛ اثر گوستاو کلیمت

گوستاو کلیمت نقاش نمادگرای اتریشی، اثر بوسه (The Kiss) را در سال 1907 خلق کرد. بیشتر این اثر با رنگ روغن روی بوم است؛ اما می توان آن را یک نقاشی مخلوط به حساب آورد؛ زیرا شامل برگ های طلا، پلاتین و نقره می گردد. بوسه از برترین آثار نمایانگر جنبش سمبولیسم (نمادگرایی) است. گوستاو کلیمت در این اثر از برگ طلا استفاده کرد تا ظاهری کاملا ظریف و درخشان ایجاد کند. در این اثر می توانید تاثیرات هنری بیزانس را در رداهایی بیبنید که بر تن زوج عاشق داخل نقاشی است.

در بوسه زن و مردی را می بینید که در پس زمینه ای آرام و یکنواخت در لبه یک چمنزار، یکدیگر را می بوسند. مرد خم شده است تا زن را ببوسد؛ در حالی که زن روی بستری از گل زانو زده و بیشتر پذیرای بوسه است تا فعالانه در آن شرکت کند. بخشی از برگ های طلای به کار رفته در لباس مرد از اشکالی سیاه و سفید و مستطیلی شکل تشکیل شده است؛ در حالی که لباس زن مزین به گل هایی رنگارنگ است. بر اساس نظر موزه آپر بلودر، کلیمت در نقاشی بوسه، یک عبارت تمثیلی درباره عشق در قلب وجود انسان را به تصویر کشیده است.

• تکنیک اثر: رنگ روغن و برگ های طلا
• سبک اثر: هنر نو، هنر مدرن، سمبولیسم، مکتب جدایی وین
• ابعاد اثر: 180 × 180
• آدرس محل نگهداری اثر: اتریش، وین، گالری کاخ بلودر(مشاهده روی نقشه)

8. امپرسیون طلوع آفتاب؛ اثر کلود مونه

امپرسیون طلوع آفتاب (Impression Sunrise) در سال 1872 به وسیله کلود مونه نقاش معروف فرانسوی خلق شد. این اثر که لنگرگاه شهر زادگاه نقاش در لوهاور فرانسه را به ما نشان می دهد، از نامگذاری جنبش امپرسیونیسم الهام گرفته است. طلوع آفتاب در سال 1874 میلادی و در جریان اولین نمایشگاه هنری مستقل امپرسیونیست ها به نمایش عمومی گذاشته شد.

مونه برای کشیدن طلوع آفتاب از ضربه های بسیار نرم و تماس های بی نظم قلم مو بر سطح بوم استفاده نموده است. وی خورشید را با همان میزان درخشندگی آسمان اطراف آن به تصویر کشیده شده است؛ شرایطی که فقط زمانی ممکن است که غلظت رطوبت هوا، بالا باشد. مونه این کار را با استفاده از رنگ های مکمل سرد و گرم به جای تغییر در میزان یا روشنایی رنگ ها انجام داد. قایق ها و شخصیت ها در طلوع آفتاب مسطح و شبیه به سایه هستند؛ در حالی که بازتاب نور قرمز خورشید در آب، فرمی ملموس از ضربات آشکار قلم روی بوم را به نمایش می گذارد.

• تکنیک اثر: رنگ روغن روی بوم
• سبک اثر: امپرسیونیسم
• ابعاد اثر: 63 × 48 سانتی متر
• آدرس محل نگهداری اثر: فرانسه، پاریس، موزه Musée Marmottan Monet (مشاهده روی نقشه)

9. آفرینش آدم؛ اثر میکل آنژ

آفرینش آدم (The Creation of Adam) اثر میکل آنژ روی سقف کلیسای سیستین در واتیکان از زیباترین و خارق العاده ترین نقاشی های جهان است؛ برترین اثر هنری که به سبک نقاشی دیواری در طول سال های 1508 تا 1512 ترسیم شده است. میکل آنژ برای ترسیم این اثر به تنهایی هر روز ساعت ها بالای داربست کار می کرد. مساحت کل نقاشی دیواری تقریبا 500 متر مربع و شامل بیش از 300 شکل است. خط مرکزی سقف شامل 9 قسمت از کتاب پیدایش است و آفرینش آدم چهارمین قاب است.

در نقاشی آفرینش آدم یکی از روایت های انجیل از کتاب آفرینش را می بینید که در آن، خداوند با نفسی حیات بخش به انسان زندگی می بخشد. میکل آنژ در این اثر خداوند و حضرت آدم را در حالی که دستان شان را به سوی یکدیگر دراز نموده اند، به تصویر کشیده است. حوا نیز در حالی که دست خداوند را به دور گردن خود دارد، به نظر آرام می آید؛ اما کنجکاوانه به آدم می نگرد. در این نقاشی می بینید که انگشتان خداوند و حضرت آدم تقریبا یکدیگر را لمس می نمایند. برای تماشای این اثر باید سرتان را بالا بگیرید و سقف را تماشا کنید؛ تصویری که تا ابد در فکر شما نقش خواهد بست.

با کمی دقت به نیمه راست تصویر، برشی عرضی از مغز انسان با جزئیاتی قابل توجه را خواهید دید که تسلط بالای نقاش بر آناتومی بدن انسان را نشان می دهد. بعضی افراد بر این باور هستند که مضمون این اثر این است که خدای هر فرد مغز او است. آفرینش آدم بارها در طول تاریخ بازسازی شده است. جالب است بدانید که سقف کلیسای سیستین در طول قرن ها بارها به دلایل مختلفی مانند مواجهه با دود شمع صدمه دید. سقف این کلیسا در سال 1989 ترمیم و تمیز شد و مردم با تماشا رنگ های درخشان و سرزنده آفرینش آدم، شگفت زده شدند.

• تکنیک اثر: فرسکو (دیوارنگاری)
• ابعاد اثر: 570 × 280 سانتی متر
• آدرس محل نگهداری اثر: ایتالیا، واتیکان، کیسای سیستین چپل (مشاهده روی نقشه)

10. گرنیکا؛ اثر پابلو پیکاسو

گرنیکا (Guernica) در سال 1937 به وسیله پابلو پیکاسو به درخواست ناسیونالیست های اسپانیا در فرانسه خلق شد. در این اثر اعتراضی و ضد جنگ، حمله هوایی نیروهای نازی آلمان و فاشیست ایتالیایی به شهر گرنیکا در منطقه باسک و بمباران این شهر در دوره جنگ داخلی اسپانیا نشان داده شده است. زمانی که به این اثر نگاه کنید، متوجه اغتشاش و سردرگمی چشمگیری خواهید شد؛ اما اگر کمی بیشتر تامل کنید، مولفه های اصلی این اثر از جمله مرگ، خشونت، بی رحمی، زجر و درماندگی را خواهید دید که با استفاده از قالبی سیاه و سفید و به سبک عکس های خبری در جراید کنار یکدیگر نهاده شده اند. پیکاسو خود درباره این اثر و مولفه های آن، این طور می گوید:

اگر شما معانی معین به مولفه های نقاشی های من بدهید، ممکن است کاملا به حقیقت نزدیک شده باشید؛ اما به هیچ عنوان به نیت من در جان بخشی به این مولفه ها پی نبرده اید. هر حدس، گمان و استنتاجی که شما دارید بخشی از حالتی است که من هم تجربه نموده ام؛ اما به صورت ناخودآگاه و غیرارادی. من نقاشی می کنم برای خود نقاشی. من اشیا را برای چیزی که هستند، می کشم.

گرنیکا در ابتدا در فرانسه به نمایش عموم عایدی. این نقاشی در سفر با یک تور جهانی، به سراسر جهان سفر کرد و بودجه حاصل از این تور، تحت عنوان یاری اقتصادی برای یاری به جنگ دگان اسپانیا صرف شد. در طول جنگ جهانی دوم، این اثر به موزه هنرهای معاصر نیویورک منتقل شد تا از اثرات جنگ در امان بماند. پیکاسو درخواست کرد تا زمان بازگشت دموکراسی به اسپانیا، این نقاشی در نیویورک باقی بماند. در سال 1981، حدود 6 سال پس از مرگ فرانسیسکو فرانکو، دیکتاتور اسپانیایی، این اثر به مادرید بازگشت.

• تکنیک اثر: رنگ روغن روی بوم
• سبک اثر: کوبیسم، سورئالیسم
• ابعاد اثر: 777 × 349 سانتی متر
• آدرس محل نگهداری اثر: اسپانیا، مادرید، موزه Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía(مشاهده روی نقشه)

11. شب پرستاره؛ اثر ونسان ون گوک

شب پرستاره (The Starry Night) مشهورترین اثر ون گوگ زمانی در سال 1889 میلادی خلق شد که وی در بیمارستان روانی سن پل مووزول در حوالی سن ریمی د پرووانس فرانسه بستری بود و از افسردگی و پارانویا رنج می برد. او یک سال پس از خلق این اثر، خودکشی کرد. شب پرستاره در واقع منظره فکری ون گوگ از یک دهکده ایدئال قبل از طلوع آفتاب است؛ وی این تصویر را با الهام از منظره پنجره اتاقش کشید. شب پرستاره نمونه شاخص نبوغ ون گوگ و استفاده جسورانه او از براش های ضخیم است.

آسمان در شبی پوشیده شده با ابرهایی چرخان، ستارگانی فروزان و هلال درخشان ماه، پس زمینه رویاگونه ، شب پرستاره با رنگ های زرد و آبی را تشکیل می دهند. اگرچه در توصیف عناصر اثر به وضوح اغراق شده است؛ به سادگی می توان با آن ها احساس نزدیکی کرد. در پایین خط افق و در زیر تپه، شهر کوچکی در این اثر به چشم میخورد. خانه هایی با رنگ های تیره و پنجره های روشن، برج بلند کلیسا در مرکز شهر روی ساختمان هایی کوچک تر و ترکیبی بزرگ، تاریک و تاحدودی مبهم در سمت چپ حسی عجیبی به بیننده منتقل می نمایند. ون گوگ در نامه ای به امیل برنارد این طور می نویسد:

شب رنگارنگ تر از روز است. در دل شب ستارگان بیش از یک سری نقاط ساده سفید روی صفحه ای سیاه به نظر می رسند و به رنگ های زرد، صورتی و حتی سبز ظاهر می شوند.

نقاشی شب پرستاره در کارگاه طبقه همکف تیمارستان نقاشی شده است. جالب است بدانید که ون گوگ در طول 12 ماه اقامت در این مکان، 32 بار تصویر منظره پنجره اتاقش را با کمترین میزان تغییر نقاشی نموده بود که تابلو شب پر ستاره یکی از این نقاشی ها محسوب می گردد. وی این منظره را در ساعت های مختلف روز در شرایط متفاوت آب و هوایی از جمله طلوع آفتاب، طلوع ماه، روزهای آفتابی و گرم، روزهای بارانی و روزهای طوفانی به تصویر کشیده است.

• تکنیک اثر: رنگ روغن روی بوم
• سبک اثر: پست امپرسیونیسم، هنر مدرن
• ابعاد اثر: 92 × 74 سانتی متر
• آدرس محل نگهداری اثر: ایالات متحده آمریکا، نیویورک، موزه هنر مدرن نیویورک (مشاهده روی نقشه)

12. گشت شبانه؛ اثر رامبراند

نگهبان شب یا گشت شبانه (The Night Watch) در سال 1642 به وسیله رامبراند، نقاش هلندی و مشهور به استاد واقعی نور خلق شد. این نقاشی داستان عزیمت گروهی از نگهبانان شهر به همراه کاپیتان فرانس بَنینگ کوک (Frans Banning Cocq) را به تصویر می کشد. نام اصلی این اثر، کاپیتان فرانس بَنینگ کاک با سروان ویلم ون رایتنبرگ است. رامبراند مردی متمول بود و برای کارهایش دستمزدهای بالایی دریافت می کرد. او برای خلق این اثر، دستمزدی معادل 1600 گیلدر گرفت که در تاریخ هلند، رقمی افسانه ای بود.

نگهبان شب به سه علت به عنوان یکی از مشهورترین نقاشی های جهان معرفی می گردد. اول اینکه نقاشی های نظامی یا پرتره های گروهی به طور کلی صحنه هایی کاملا ایستا هستند که در آن ها حرکتی کم یا بدون حرکت وجود دارد؛ با این وجود، در این اثر، نگهبانانی شبه نظامی به رهبری یک کاپیتان را می بینید که آماده بیرون رفتن هستند. دومین نکته این نقاشی، میزان بسیار بزرگ آن است. سومین نکته جالب توجه، استفاده چشمگیر از نور خورشید و سایه در این نقاشی است.

بر پایه یک نسخه کپی از گشت شبانه (اثر لوندنس در سده هفدهم میلادی) ثابت شده است که بخش هایی از این اثر در سال 1715 برای جای گرفتن در یکی از اتاق های کاخ سلطنتی در مرکز آمستردام بریده شده اند. موزه ملی هلند این اتتفاق را موضوعی ناراحت نماینده در پیشینه این نقاشی اعلام و در ژوئن 2021 بخش های بریده شده را بازسازی کرد.

نگهبان شب در طول تاریخ متحمل آسیب های جدی شده است. در سال 1911، یک آشپز نیروی دریایی که از کار بی کار شده بود، در اعتراض به از دست دادن شغلش با یک چاقو به تابلوی نقاشی حمله کرد و شیاری زیگ زاگ در بوم آن به وجود آورد که بعدها تا حدودی ترمیم شد. دومین حمله با چاقو به این اثر هنری نیز در سال 1975 به وسیله فرد دیگری رخ داد. پس از آن، گشت شبانه تحت مراقبت دائمی نهاده شد؛ با این حال، در سال 1990 نیز فردی با اختلالات روانی با اسپری کردن محلول سولفوریک اسید روی سطح این تابلو به نقاشی آسیب رساند. ارزش این نقاشی حدود یک میلیون دلار برآورد می گردد.

• تکنیک اثر: رنگ روغن روی بوم
• سبک اثر: باروک، عصر طلایی نقاشی هلند
• ابعاد اثر: 437 × 363 سانتی متر
• آدرس محل نگهداری اثر: هلند، آمستردام، موزه امپراتوری رایکس (مشاهده روی نقشه)

13. ندیمه ها؛ اثر دیه گو ولاسکوز

ندیمه ها (Las Meninas) به عنوان بزرگ ترین نقاشی تاریخ اسپانیا و یکی از رازآلودترین آثار هنری جهان شناخته می گردد. این اثر به وسیله ولاسکوز در سال 1656 به سفارش پادشاه فیلیپ چهارمِ اسپانیا خلق شد. پادشاه فیلیپ چهارم از سال 1621 تا 1665 بر اسپانیا حکومت می کرد؛ او تا سال 1819 در قصر سلطنتی اقامت داشت و پس از آن به پرادو (Prado) رفت.

در نقاشی ندیمه ها، یک پرتره گروهی از یک خاندان سلطنتی اسپانیایی را می بینید که شاهزاده مارگریت ترزای پنج ساله در مرکز این نقاشی قرار گرفته است و تعدادی از خدم و حشم به دور او می چرخند. این نقاشی قرن ها است که به عنوان یکی از پیچیده ترین آثار هنری جهان معرفی می گردد؛ اثری که مورخان هنر را تا حدی گیج نموده است. اثر ندیمه ها یک بازی عجیب و غریب و گسستی از آثار سنتی است که شامل شخص ولاسکوز، یک راهبه، یک کوتوله و شاهزاده خانم می گردد. در آن موقع در تصاویر سفارشی مشابه، فقط خانواده سلطنتی با نظم و سلسله مراتبی معین به تصویر در می آمدند؛ در حالی که در نقاشی ندیمه ها هیچ کدام از این قوانین دیده نمی گردد.

یکی از دیگر نکات رمزآلود نقاشی ندیمه ها، چیدمان این اثر است. به نظر می رسد همان طور که بیننده به تابلوی عجیب او خیره می گردد، افرادی هم درون تابلوی نقاشی، از یک قاب پنجره به ما خیره شده اند. این تصویر آینه وار در قسمت دیگری از این نقاشی به چشم می خورد؛ جایی که ولاسکوز خودنگاره یا سلف پرتره خود را نقاشی می نماید.

• تکنیک اثر: رنگ روغن روی بوم
• سبک اثر: باروک
• ابعاد اثر: 276 × 318 سانتی متر
• آدرس محل نگهداری اثر: اسپانیا، مادرید، موزه پرادو (مشاهده روی نقشه)

14. پایکوبی در مولن دولا گالت؛ اثر پیر اوت رنوار

پایکوبی در مولن دولا گالت (Dance at Le Moulin De La Galette) برترین و معروف ترین اثر پیر اوت رنوار در سال 1876 در پاریس و با الهام از باغی بر فراز تپه های مون مارتر خلق شد؛ اثری که تصویری از گردهمایی منظم یکشنبه پاریسی های عادی در اواخر سده نوزدهم در مولن دولا گالت را به تصویر می کشد. جالب است بدانید که بیشتر چهره ها در این اثر، مشتری های عادی مولن و مردم عادی نیستند و در واقع، این دوستان خود نقاش هستند که در حالت هایی کاملا اتفاقی و گاهی کاملا حرفه ای به تصویر کشیده شده اند.

اوت رنوار در خصوص این اثر گفته است:

بیشترین سعی را می کنم تا برای تفریح و لذت مردم نقاشی کنم و نه برای خسته و کسل کردن آن ها تا توجه آن ها را به سمت چیزهایی جلب کنم که ارزش تماشا داشته باشد؛ چیزهایی که لزوما در خودشان نمی بینند.

نسخه تقریبا یکسان کوچک تری (با ابعاد 78 × 114 سانتی متر) نیز از نقاشی پایکوبی در مولن دولا گالت به وسیله رنوار نقاشی شده است که گفته می گردد در یک مجموعه خصوصی در سوئیس قرار گرفته است. این اثر تقریبا به اثر بزرگ تر شباهت دارد؛ با این تفاوت که در آن از رنگ های روشن تری استفاده شده است.

• تکنیک اثر: رنگ روغن روی بوم
• سبک اثر: امپرسیونیسم، هنر مدرن
• ابعاد اثر: 175 × 131 سانتی متر
• آدرس محل نگهداری اثر: فرانسه، پاریس، موزه اورسی (مشاهده روی نقشه)

15. دوشیزگان آوینیون؛ اثر پابلو پیکاسو

زمانی که دوشیزگان آوینیون (Les Demoiselles dAvignon) برای اولین بار در سال 1916 به نمایش عایدی، حتی از بعضی از نزدیک ترین دوستان پیکاسو مانند ماتیس، این اثر را به یک شوخی تشبیه کردند. این نقاشی که در تابستان سال 1907 در فرانسه خلق شد، در زمان خودش به باور بسیاری از افراد، یک اثر غیراخلاقی بود؛ اثری که بحث و جدال بزرگی را در جامعه هنری ایجاد کرد. پیکاسو برای تکمیل این نقاشی حدود 9 ماه زمان صرف کرد؛ اثری که به باور بعضی، واکنشی به فیلم Le Bonheur de vivre و برهنه آبی هنری ماتیس بوده است.

پیکاسو در اثر دوشیزگان آوینیون، سنت های نقاشی غربی و هرگونه فرم شناخته شده را در هم شکست و گریزی به ماسک های آفریقایی زد که در موزه مردم نگاری دو تروکادرو (Palais du Trocadro) دیده بود. سوژه اصلی این اثر، پنج زن در بارسلون هستند. پیکاسو در خلق این اثر از زوایایی تند، اغراق در خصوصیات چهره، تحریف بدن زنان و فرم های هندسی به روشی ابتکاری استفاده نموده است. پیکاسو انتظار فرم ایدئال از زنان را در این نقاشی به چالش کشیده است.

• تکنیک اثر: رنگ روغن روی بوم
• سبک اثر: کوبیسم
• ابعاد اثر: 233.7 × 243.9 سانتی متر
• آدرس محل نگهداری اثر: ایالات متحده آمریکا، نیویورک، موزه هنر مدرن نیویورک (مشاهده روی نقشه)

16. تداوم حافظه؛ اثر سالوادور دالی

تداوم حافظه (The Persistence of Memory) در سال 1931 به وسیله سالوادور دالی در پاریس خلق شد. گفته می گردد که تداوم حافظه از نظریه نسبیت انیشتین (Theory of Relativity) الهام گرفته شده است؛ البته بعضی این اثر را حاصل جریان گذر اندیشه های دالی از دیدگاه فرویدی می دانند. در این اثر که بر پایه تئوری منحصربه فرد نرمی و سختی دالی شکل گرفته است، ساعت هایی جیبی به تصویر کشیده شده اند که به نحو خارق العاده ای نرم و انعطاف پذیر هستند.

تداوم حافظه شامل خودنگاره ای می گردد که ساعت نرمی روی آن افتاده است. برای دالی، این ساعت های نرم معرف چیزی به نام پنیر کامامبر زمان بودند؛ ساعت هایی که نشان می دهند زمان، مفهوم و معنای خود را در جهان ناخودآگاه از دست داده است. ساعتی فلزی که مانند تکه گوشتی فاسد، مورچه ها را به خود جذب می نماید و درکی عبث از موقعیت را به نمایش می گذارد.

بعضی باور دارند که نگاه کردن به تداوم حافظه سبب می گردد تا در زندگی و نحوه گذراندن وقت خود بیشتر تامل کنید. تداوم حافظه از اولین آثار دالی است که در آن با استفاده از توهمات خود، تصویر یک فکر پارانوئید را به تصویر کشید. این تصویر بارها و بارها به صورت چاپ های کوچک، کارت پستال ها و پوسترهای دیواری بازتولید شده است.

• تکنیک اثر: رنگ روغن روی بوم
• سبک اثر: سورئالیسم
• ابعاد اثر: 33 × 24 سانتی متر
• آدرس محل نگهداری اثر: ایالات متحده آمریکا، نیویورک، موزه هنر مدرن نیویورک (مشاهده روی نقشه)

17. تراس کافه در شب؛ اثر ونسان ون گوک

تراس کافه در شب (Cafe Terrace at Night) در سال 1888 در شهر آرل در جنوب فرانسه به وسیله ون گوگ، دو سال قبل از خودکشی وی، خلق شد. این شهر کوچک و منظره ها اطراف آن تاثیر فراوانی بر زندگی هنری ون گوگ گذاشتند؛ به طوری که شماری از معروف ترین آثار این نقاش مانند گل های آفتابگردان و اتاق زرد در دوران اقامت ون گوگ در آرل خلق شده اند. تراس کافه در شب اولین کوشش ون گوگ برای ایجاد پس زمینه ای با درخشش ستارگان در شب بود. کمی پس از خلق این اثر، او شب پرستاره بر فراز رُن را خلق کرد و در نهایت پیروز به خلق شب پرستاره در سال 1889 شد.

تراس کافه در شب همانند بیشتر کارهای خلاقانه دیگر ون گوگ، بی بدیل و پر از احساس است. این اثر تصویری بسیار دقیق و صادقانه از فضای گرم و آرام از شب را در شهر منتقل می نماید. نورپردازی خاص آن در شب، تصاویری عجیب و جادویی، ترکیب رنگ و کنتراست های قابل توجهی را ایجاد نموده است؛ گویی این شهر به دو جهانی کاملا مجزا و در تضاد با هم تقسیم شده است. یک بخش، جهانی با آسمان شبی پرستاره همراه با سکوت و خوابی آرام را به بیننده نشان می دهد؛ در حالی که در بخش دوم، جهانی دیگر، فضایی پر آشوب و کافه ای با نورهایی روشن و رنگ های نارنجی، زرد و ارغوانی را به تصویر می کشد. تراس کافه در شب یک فضای معمولی، روزمره و بی اهمیت همراه با عدم جدیتی مربوط به روز را با خود دارد.

کافه شهر آرل در حال حاضر با نام ون گوگ شناخته می گردد و علاقه مندان می توانند برای تماشای منظره نقاشی ون گوگ به این کافه سر بزنند. این اثر به وسیله ون گوگ امضا نشده است؛ با این حال، او حداقل در سه بخش از نامه نگاری هایش از این اثر یاد نموده است. یکی از این نامه ها برای خواهر ون گوگ نوشته شده بود؛ نامه ای که از آن برای تایید اینکه این اثر برای ون گوگ است، استفاده شد.

• تکنیک اثر: رنگ روغن روی بوم
• سبک اثر: پست امپرسیونیسم، کلویزونیسم
• ابعاد اثر: 65.3 × 80.7 سانتی متر
• آدرس محل نگهداری اثر: هلند، استان خلدرلاند، اترلو، پارک ملی هوخه فیلوو، موزه ملی کرولر مولر (مشاهده روی نقشه)

18. گوتیک آمریکایی؛ اثر گرنت وود

گ وتیک آمریکایی (American Gothic) یکی از مشهورترین تصاویر هنر آمریکایی است که در سال 1930 به وسیله گرنت وود نقاشی شده است. این نقاش اهل استان آیووا این نقاشی را بر اساس تصویری از یک خانه در شهر کوچک الدون واقع در استان آیووا خلق نموده است. در این نقاشی یک کشاورز به همراه دختر پیر مجرد وی به تصویر کشیده شده اند. این دو مقابل خانه سفیدرنگ خود با معماری گوتیک ایستاده اند؛ عنوان تابلو نیز برگرفته از معماری خانه است. افرادی که در نقاشی گوتیک آمریکایی می بینید، خواهر خود نقاش و دندانپزشک خانوادگی آنان هستند. ثبت اثر با دقت بالا در ریزترین جزئیات و صورت های خشک و خالی از حس کشاورز و دخترش، به احتمال زیاد از دوران هنری رنسانس در منطقه ها شاقتصادی اروپا الهام گرفته شده است.

زمانی که نقاشی گوتیک آمریکایی برای اولین بار به نمایش گذاشته شد، به سختی از آن انتقاد شد؛ به طوری که بعضی افراد آن را یک کاریکاتور اهانت آمیز از روستاییان ساده دانستند؛ اما پس از مدت اندکی این اثر به عنوان یکی از مهم ترین آثار هنری آمریکا و یک گرامی داشت از ارزش های اصیل آمریکایی قلمداد شد. این نقاشی بنا بر نظر بیشتر منتقدان یکی از 10 نقاشی مشهور در تاریخ هنر به شمار می رود. تصویر زن اثر گوتیک آمریکایی نیز به عنوان یکی از زن های سه گانه ای (مونالیزا و مادر جیمز ویسلر) شناخته می گردد که هنر نقاشی آنان را جاودانه نموده است.

• تکنیک اثر: رنگ روغن روی Beaver board (تخته ساخته شده از خرده چوب به هم فشرده)
• سبک اثر: مدرنیسم، پیشگامان منطقه گرایی (Regionalism)
• ابعاد اثر: 62 × 74 سانتی متر
• آدرس محل نگهداری اثر: ایالات متحده آمریکا، انیستیتوی هنری شیکاگو (مشاهده روی نقشه)

19. گیتارنواز پیر؛ اثر پابلو پیکاسو

گیتارنواز پیر (The Old Guitarist) در سال های 1903 تا 1904 در دوره آبی پیکاسو نقاشی شده است؛ دوره ای در زندگی هنری پابلو پیکاسو که سال های 1901 تا 1904 را شامل می گردد. وی در شروع این دوره جوانی 19 ساله بود. معینه تابلوهای خلق شده در این دوره رنگ آبی و سبز آن ها است؛ تابلوهایی با فضایی غم آلود که مردم فقیر، مست و گدایان را نشان می دهند. خودکشی یکی از دوستان پیکاسو به نام کارلوس کاساگماس از جمله رویدادهای مهم و اثرگذار بر دوره آبی بود. تراژدی، تدفین کاسماگاس و زندگی از دیگر نقاشی های مهم این دوره هستند. پیکاسو در سال 1904 به پاریس بازگشت و از آن موقع وارد دوره دیگری به نام دوره صورتی یا دوره دلقک شد.

در گیتارنواز پیر، پیرمرد نابینا و نحیفی با لباس مندرس دیده می گردد که روی گیتار خود قوز نموده است و در یکی از خیابان های بارسلونا در اسپانیا می نوازد. جالب است بدانید پس از بررسی این نقاشی با اشعه ایکس به وسیله انستیتوی هنر شیکاگو معین شد که چند تصویر دیگر، زیر نقاشی وجود دارند که یکی از آن ها سر یک زن شبح مانند در قسمت بالایی گردن مرد نوازنده است که به سمت چپ متمایل است. این اثر یادگار دوره افسردگی و تاثیرات اکسپرسیونیسم نوظهور آن موقع است. گیتارنواز پیر به عنوان یکی از مشهورترین آثار پیکاسو و مشهورترین نقاشی های جهان شناخته می گردد.

• تکنیک اثر: رنگ روغن روی چوب
• سبک اثر: دوره آبی پیکاسو
• ابعاد اثر: 82.6 × 122.9 سانتی متر
• آدرس محل نگهداری اثر: ایالات متحده آمریکا، انیستیتوی هنری شیکاگو، مجموعه یادبود هلن بریج براتلت (مشاهده روی نقشه)

20. مکتب آتن؛ اثر رافائل

مکتب آتن (The School of Athens) یکی از مشهورترین آثار رافائل، نقاش دوره رنسانس است که در بین سال های 1509 تا 1511 میلادی به عنوان بخشی از دیوارنگاری اقامتگاه پاپ در واتیکان خلق شده است. در این اثر که به عنوان شاهکار رافائل و تجسمی تمام عیار از روح کلاسیک دوران اوج رنسانس شناخته می گردد، تصویر تقریبا همه فیلسوفان مهم یونان، دانشمندان، ریاضی دانان و دیگر شخصیت های شناخته شده وجود دارد. در دوره خلق مکتب آتن، پاپ جولیوس دوم با تشویق هنرمندان بزرگی چون لئوناردو داوینچی، رافائل، میکل آنژ و دل سارتو، شهر رم را جایگزین شهر فلورانس کرد؛ به طوری که این شهر را می توان متمرکزترین مکان آثار هنری اروپا در طول سال های رنسانس برشمرد.

در مکتب آتن چهره های مختلفی چون سقراط، افلاطون، ارسطو، فیثاغورث، بطلیموس، اقلیدس، ابن رشد، ابن سینا و زرتشت خورگان دیده می شوند؛ در حالی که به ظاهر مشغول به اشتراک گذاشتن عقاید و آموزش از یکدیگر هستند. این اشخاص که در دوره های متفاوت زمانی زندگی می کردند، همگی در این قاب و زیر یک سقف جمع شده اند. البته خود رافائل به طور صریح به نام شخصیت های موجود در اثر اشاره ننموده است و منبع معینی درباره این اثر و نامگذاری شخصیت های آن وجود ندارد. نکته قابل توجه در خصوص این نقاشی استفاده از روش فرافکنی است که رافائل از داوینچی آموخته است. هدف رافائل از خلق تصویر مکتب آتن، ایجاد یک نظم و هارمونی میان روح مسیحیت و روح پیشینیان با انعکاس محتوای کتابخانه پاپ بود که شامل مضمونی با درونمایه فلسفه، الهیات، علم حقوق و ادبیات می گردد.

مکتب آتن در روی یکی از دیوارهای اتاق های رافائل (Stanze di Raffaello) در کاخ آپوستولیک واتیکان نقاشی شده است. رافائل در ابتدا در اتاق Stanza della segnatura کار طراحی و دکور را شروع کرد و مکتب آتن به احتمال زیاد دومین نقاشی بود که در آنجا انتها یافت. مکتب آتن پس از نقاشی دیسپیوتا (که روبه روی آن قرار گرفته است) و پارناسوس به عنوان سومین شاهکار هنری رافائل شناخته می گردد. مکتب آتن تنها دیوارنگاری است که به وسیله پنجره های اتاق قطع نشده است.

• سبک اثر: فرسکو (دیوارنگاری)
• ابعاد اثر: 770 × 500 سانتی متر
• آدرس محل نگهداری اثر: ایتالیا،کاخ آپوستولیک واتیکان، اتاق های رافائل (مشاهده روی نقشه)

پرسش های متداول

مشهورترین نقاشی جهان کدام اثر است؟

مونالیزا، شاهکار لئوناردو داوینچی.

از روی کدام نقاشی مشهور جهان، ایموجی طراحی شده است؟

جیغ، اثر ادوارد مونک.

شب پرستاره در چه سالی خلق شد؟

شب پرستاره در سال 1889 میلادی خلق شد؛ زمانی که ون گوگ در بیمارستان روانی در فرانسه بستری بود.

آفرینش آدم به وسیله چه کسی و در کجا خلق شد؟

آفرینش آدم به وسیله میکل آنژ روی سقف کلیسای سیستین در واتیکان خلق شد.